Quando nel 1930 René Iché modella un calco del viso a occhi chiusi di André Breton traduce, più o meno consapevolmente, in un oggetto il pensiero alla radice del Surrealismo: abbandonarsi all’immaginazione, al gioco disinteressato del pensiero[1]. Breton ispirato, che guarda dentro di sé, nel Padiglione Centrale ai Giardini, secondo soltanto al museo immaginario di Marino Auriti, è una delle chiavi di accesso a questa Biennale Arte o, almeno, ad alcune delle opere scelte da Massimiliano Gioni. Una su tutte la performance in corso, al di là del muro, di Tino Sehgal. Rimasta senza titolo fino al momento di mandare in stampa il catalogo, l’azione è l’ennesimo tentativo dell’artista di ridurre l’arte contemporanea a un repertorio di gesti, senza lasciare alcuna traccia o documento. Un’azione che vale a Sehgal il Leone d’oro, risultato di un percorso preciso, con progetti destinati a permanere nella memoria collettiva come These Associations, negli spazi della Tate Modern a Londra, dove ottanta interpreti, selezionati fra la gente comune, intavolavano con il pubblico conversazioni lunghe fino a due ore. Se anche This is So Contemporary, situazione prodotta dall’artista nel 2005 per il Padiglione Germania, viveva dell’interazione con lo spettatore, al centro di un gruppo di guardiasala sorridenti ma provocanti al punto giusto, la performance nel Palazzo Enciclopedico va, esclusivamente, osservata. Due, tre, a volte quattro attori di età diversa sono seduti a terra, in modo naturale, estranei a ciò che accade attorno. Ci sono un bambino e una ragazza giovane che emettono dei suoni mentre una donna adulta si muove, secondo le percezioni e vibrazioni avvertite. L’opera, che connette generazioni e culture diverse, è un invito all’ascolto e al tempo stesso, come il calco di Breton, ad osservarsi dentro.
A ben vedere la performance è una modalità adottata in larga misura nell’ambito di questa edizione della Biennale e ci regala alcune delle opere più convincenti.
È il caso del Padiglione Romania, svuotato di ogni oggetto ma vissuto da un gruppo di attori, in abiti casual, che lungo tutta la giornata performa nello spazio. An Immaterial Retrospective of the Venice Biennale, progetto di Alexandra Pirici e Manuel Pelmuş, è la restituzione di cent’anni di storia della rassegna veneziana, dalla sua fondazione ad oggi, attraverso la messa in scena delle opere di artisti sparsi: Amedeo Modigliani, Marc Chagall, Jackson Pollock ma anche Nan Goldin, Marina Abramovic, Sophie Calle e altri ancora e ancora. Ogni giorno di apertura è un avvicendarsi di coreografie, meno esatte di quelle prodotte da Sehgal, ma il messaggio è limpido e ampiamente condivisibile. Da un lato la coppia di artisti manifesta l’esigenza di rivedere il passato per togliere all’opera d’arte la monumentalità che il tempo le concede; dall’altro mette in luce l’eurocentrismo della Biennale, dal punto di vista di due artisti nati e cresciuti in Romania, paese al di fuori di certi giochi politici ed economici. Il Padiglione, pur nella sua inconsistenza, mostra come sia possibile, con niente, costruire spazi condivisi, carichi di senso in un periodo in cui è urgente una rilettura della storia.
È, di fatto, Vice versa, Padiglione Italia orchestrato da Bartolomeo Pietromarchi, a riservare la più alta concentrazione di performance – quattro su quattordici opere – un numero importante per un linguaggio poco incanalabile che, nel contesto italiano, fatica a ritagliarsi spazio e autorevolezza. Soltanto Fe2O3 Ossido ferrico di Francesca Grilli, però, non tradisce le attese. Una performer, in piedi di fronte a un microfono, produce suoni prolungati, solo singole note, modulandone l’intensità liberamente. Davanti a lei una lastra di ferro, leggermente inclinata, alta e larga svariati metri, sulla quale, dall’alto, cadono gocce d’acqua che variano a seconda dei decibel della voce. I rivoli scivolano sul metallo e, lentamente, lo corrodono. Non è la prima volta che Grilli si avvicina a questo linguaggio ma qui, più che in altre occasioni, costruisce una situazione inclusiva: la voce riempie la stanza, investe ogni cosa e produce il cambiamento.
performance per 156 giorni, lamina di ferro, acqua, voce, microfono courtesy l’artista,
Padiglione italia, tese delle vergini, arsenale
Ecco allora che questo inventario di azioni, situazioni coreografate e gesti, certamente più ricco che in altre edizioni della Biennale, acquista un peso specifico. Massimiliano Gioni, raccontando il suo progetto curatoriale, ha parlato di modi diversi di abitare la società dell’immagine. E gli artisti che scelgono la performance come traduzione della propria ricerca e poetica abitano questa società in punta di piedi, preferendo alla produzione di nuovi oggetti l’eccezionalità dell’esperienza diretta e fisica dell’arte, che si espande e rinnova di volta in volta attraverso chi la incontra.
Saul Marcadent
D’ARS year 53/nr 214/summer 2013
[1] A. Breton, Manifesti del surrealismo, Einaudi, 1966
